Edvard Munch Edvard Munch est un peintre norvégien né en 1863. Alors qu’il était âgé de 5 ans, sa mère et sa sœur sont mortes de la tuberculose. Ces morts l’ont particulièrement touché et lui ont donné le désir des représentations morbides. Après ses études, il voyagea énormément en Italie, en Suisse, en France mais surtout en Allemagne. C’est là-bas qu’il se fit connaitre grâce ? une exposition en 1892 où son œuvre « le cri » était exposé. Il travailla tout au long en utilisant des sujet ane org son art de « dégénér Sni* to View exposées.
Cette hum dans l’alcoolisme, la tlon de techniques is critiquèrent O de ses œuvres ucoup, il tomba lisé_ Cependant, il ne cessera de produire des œuvres jusqu’ sa mort dans sa propriété à Oslo en 1944 ou il était seul. Il est considéré comme le pionnier de l’expressionnisme dans la peinture moderne. L’expressionisme est apparu en Allemagne au XXème siècle et s’est étendu dans toute l’Europe peu après. Ce mouvement a pour but de déformer la réalité pour inspirer au spectateur des émotions.
Des visions angoissantes et pessimistes de la réalité sont souvent représentées par les expressionnistes. A cette époque, la Première Guerre Mondiale menaçait, et les xpressionnistes en av Swlpe to vlew next page avaient peur. « Le cri » est une huile et pastel sur carton mesurant 91cm sur 73cm. Munch réalisa cette œuvre à la suite d’une promenade entre amis dans les fjords. Ce tableau connu, évoque au premier abord, un sentiment de peur et d’effroi. Tout d’abord, on peut voir trois personnes se promenant sur un pont et au fond, le paysage d’Oslo.
Au premier plan, on peut voir un être hagard qui se serre les tempes avec ses mains et qui crie sous un ciel sanglant. Au loin à gauche, on voit deux ombres s’éloignant qui abandonnent le personnage principal qui est le eintre lui-même. En arrière-plan, il y a des montagnes d’un bleu sombre qui contrastent avec le rouge et jaune du ciel. Les expressionnistes utilisent souvent les couleurs primaires : le bleu le rouge, le jaune dans leurs œuvres. Et enfin, on peut voir que la barrière et le sol du pont forment des lignes convergentes vers un même point. Cela donne une perspective de profondeur.
Ainsi, la lecture du tableau se fait de droit à gauche. Les touches de pinceaux sont épaisses, en mouvement, déformant le paysage afin de susciter des sentiments, des émotions au spectateur. Le changement de couleur entre la terre t le ciel a été voulu par Munch. Il voulait encore plus renforcer la sensation de « cri D. Ce ciel orange voire rouge fait penser ? un feu, au sang, renvoyant à la souffrance et le bleu et le noir renvoient à la mort, au vide, à l’absence de vie. souffrance et le bleu et le noir renvoient à la mort, au vide, ? l’absence de vie.
Ainsi, à travers son tableau, ce « cri Munch exprime ses obsessions de la mort et son angoisse permanente de la vie, du monde qui l’entoure. Son personnage principal paraît déshumanisé, tourmenté, peut-être comme lui ? Ce tableau reflète donc bien l’expressionnisme qui permet ? ‘homme de se délivrer de ses terreurs à travers l’art. « Je me promenais sur un sentier avec deux amis — le soleil se couchait. Tout d’un coup le ciel devint rouge sang. Je m’arrêtais, fatigué, et m’appuyais sur une clôture. Il y avait du sang et des langues de feu au-dessus du fiord bleu-noir et de la ville.
Mes amis continuèrent, et j’y restais, tremblant d’anxiété. Je sentais un cri infini qui se passait à travers l’univers et déchirait la Nature. » Solitaire (1905) Le titre exact est Deux êtres humains, les solitaires (l’original étant introuvable). Il s’agit d’un couple de dos, devant la mer. Le tableau semble tragique. Ils ont rair seuls. L’amour laisse le couple interdit, les bras ballants, ils sont isolés sur une plage déserte. On voit que le couple est éloigné. Il existe 4 distances, la distance intime, personnel, sociale et publique. Ce « couple » appartient ? la distance sociale, alors qu’ils sont censés être intimes.
Quand on publique. Ce « couple appartient à la distance sociale, alors qu’ils sont censés être intimes. Quand on regarde ce tableau, on comprend que l’artiste ressent de la mélancolie, il est dans un état dépressif et ça reflète totalement la vie de Munch. Femme en pleurs Munch a représenté cette femme en pleurs en sculpture. Comment trouvez-vous cette sculpture ? (interaction avec les élèves) C’est vrai qu’au premier abord, elle ne paraît pas intéressante et laide, mais c’est justement le fait qu’elle ne soit pas dans ces normes esthétiques qui fait ressortir ce sentiment de tristesse voire de désespoir de cette femme.
Elle paraît abattue, en souffrance et c’est ce qui nous gêne car ça peut nous faire remonter nos propres problèmes et souffrances. Cest peut- être pour ça que nous n’aimons pas nous attarder dessus à cause e la laideur et du désespoir de cette femme. (parler rapidement des autres œuvres similaires) On comprend facilement ce que Munch a voulu exprimer dans ce tableau. En arrière-plan, on voit sa femme dans les bras d’un autre homme dans sa propre maison ; et, au premier plan, on voit l’auteur qui s’est lui-même représenté dans une immense tristesse, comme en plein désarroi.
On peut vair aussi le papier peint à pois qu’on retrouve dans beaucoup de ses œuvres. Sur ce tableau, il a essayé de nous transcrire sa douleur lorsqu’il sa femme l’a trompé. Meurtrière Au premier abord, ce tableau peut par PAGF douleur lorsqu’il sa femme l’a trompé. Au premier abord, ce tableau peut paraître dérangeant et peut faire légèrement peur. Au fond à gauche, cette femme sans nez et bouche, qui paraît en mouvement vers nous, est une meurtrière. On reconnaît la même pièce à vivre que dans le tableau précédant sauf que, cette fois ci, il y a une mare de sang sur le canapé.
Cette femme est peut-être la même que sur l’autre tableau. Munch a eu une vie sentimentale chaotique. Ce tableau représente un moment de sa vie. Un soir, il se disputa violemment avec cette femme qui devait sûrement être la sienne. Dans cette dispute, elle tenait un pistolet et lors de la bagarre, une balle perdue lui est arrivée dans la man. La raison de cette dispute était que sa femme le quittait ce soir-là et cela l’a mis dans un état de douleur et tristesse immense. Ainsi, le sang sur le canapé peut signifier soit le sang de son cœUr qui coule à cause de sa tristesse, soit le sang de sa main.
C’est-à-dire, qu »l exprime la douleur physique et morale dans ce tableau. Conclusion : Munch n’a pas eu de chance dans sa vie, et encore moins en amour. Les tableaux qu’on vient de voir sont représentatifs e l’expression de ses sentiments, de sa souffrance, de ses angoisses, de sa solitude et de son désarroi. Ainsi, il est bien le précurseur de l’expressionisme et représente bien ce mouvement Voici une citation représentative de son représente bien ce mouvement. Voici une citation représentative de son état amoureux : « Je n’ai jamais aimé.
J’ai ressenti l’amour qui déplace les montagnes et transforme les êtres-l’amour qui déchire, fait chavirer le cœur et boire le sang. Mais je n’ai pas pu dire à quelqu’un-femme, c’est toi, je t’aime. Tu es tout pour moi. » Malgré ce mal-être permanent, Munch a toujours voulu garder ne copie de ses œuvres tout au long de sa vie afin de faire une « frise de la vie Cette frise lui permettait de voir l’évolution de ses tableaux et de sa vie car il repeignait souvent les mêmes tableaux en y apportant une touche différente.
Il ne voulait se séparer d’aucune de ses œuvres. Rosa Bonheur Rosa Bonheur est une artiste peintre née en 1822 à Bordeaux. Elle a appris grâce à l’aide de son père puisque les écoles d’arts étaient fermées aux filles à cette époque. Rosa Bonheur a eu une vie excentrique qui n’a pas fait scandale malgré une époque très soucieuse des conventions. Contrairement à ce que les normes imposaient, Rosa Bonheur portait les cheveux courts, s’habillait avec des pantalons.
Pour pouvoir porter des pantalons, elle devait demander une permission de travestissement renouvelable tous les 6 mois auprès de la préfecture de Paris, afin de fréquenter les foires aux bestiaux pour ses peintures. Elle a vécu avec deux femmes différentes, des artistes peintres également. En 1865, elle la 1ère En 1865, elle la 1ère femme à recevoir la médaille du Chevalier de la Légion d’honneur. Elle lul est décernée pour « conduite civile irréprochable et méritante En 1868, elle rentre à l’Académie des beaux-arts d’Anvers.
Labourage nivernais Rosa Bonheur a réalisé beaucoup d’œuvres animalières, c’est pour cela qu’elle fréquentait les foires aux bestiaux. C’est d’abord une scène animalière dont les héros sont les bœufs eux-mêmes, et laissent peu de place aux hommes. Tout l’intérêt se concentre sur l’attelage du premier plan. Les bœufs lient le sol et le ciel. Ils sont l’intermédiaire entre l’homme et le fruit de la terre, ils en assurent la domination, le travail, la rlchesse. On trouve dans ce tableau une maîtrise parfaite et forte intelligente du propos. Ily a pourtant un minimum d’éléments.
Elle donne trois indications : la terre labourée, la prairie, la forêt. La couleur bleu du ciel fait vibrer, la colline intermédiaire possède des tonalités vertes, travaillée en petites masses pour les haies et la forêt. Ce qu’elle veut c’est d’abord recréer cette lumière d’été, riche d’éclat et de netteté. Elle fait [‘ombre et la lumière sur les mottes de terre, le travail sur le poil des bœuf est éblouissant de perfection, la manière dont la lumière prend chaque chose est d’une exactitude absolue qui su ase aussi une mémoire visuelle éton
